domingo, 24 de junho de 2012

Flip Book


Como montar um Flipbook

Flipbook é uma linguagem da arte que transita entre o livro e o cinema, é composto por uma sequência de imagens capaz de formar uma narrativa que, por um curto espaço de tempo, se transforma em animação.

A dica que deixo aqui é um pequeno roteiro de como montar um flipbook:

- Clique duas vezes sobre uma imagem (inserida na postagem), salve no seu computador e imprima;

- Recorte todas as folhinhas da imagem;

- Coloque as folhinhas na sequência;

- Fixe com grampo ou cola.


Você pode também fazer seus próprios desenhos!

Divirta-se!



Atividade tirada do blog da professora Fabi Menassi
http://fabimenassi.blogspot.com.br/2009/05/como-montar-um-flipbook.html

sexta-feira, 15 de junho de 2012


Arte Moderna
Final do séc. XIX e início do séc. XX, o pensamento e a tradição européia estavam se esgotando, os novos artistas e pensadores estavam surgindo para mudar radicalmente o que seus mestres do passado tinham executado e idealizado.

Não que as tradições foram esquecidas, elas continuaram a existir e evoluíram paralelamente aos novos pensamentos, como o surgimento da Teoria da Relatividade e a Psicanálise.

Alguns estudiosos marcam o início da Arte Moderna em meados do séc. XIX, com o Impressionismo, outros no final do séc. XIX, com o Pós-Impressionismo. Utilizaremos aqui a linha que começa com o Fauvismo, dando início a Arte Moderna, no início do séc. XX.

Os artistas na virada do século, queriam algo que não fosse parecido com o clássico e nem que copiasse a natureza, queriam uma simplicidade diferente da Renascença e do Barroco.

O Cubismo foi fundamental para a arte do séc. XX. A arte Oriental e a escultura Africana também foram culturas respeitadas e assimiladas.

Nenhum outro período em uma cultura produziu e sofreu influências de obras tão diversas como este. O ser humano tem mania de classificar toda forma ou estilo de alguma produção, mas diante de tanta multiplicidade de trabalhos que foi produzido no séc. XX, os maiores artistas não chegam a se encaixar em nenhum estilo específico.

AUGUSTE RODIN (1840-1917)

Nasceu em 12 de novembro de 1840, Paris. Aos 14 anos entrou para a escola de Petite. Duas vezes na semana freqüentava as aulas do escultor Antoine Louis Barye. Sua percepção da dimensão do volume na escultura era formidável.

Foi recusado três vezes na Escola de Belas Artes em Paris e foi trabalhar como modelador, escultor e decorador. Em 1864, sua grande obra "Homem com o nariz quebrado" foi rejeitado pelo Salão de Paris. Nesse ano, se tornou assistente de Albert Ernest Carrier-Belleuse. Escapou do serviço militar durante a guerra franco-prussiana e acompanhou Carrier-Belleuse para a Bélgica.

Sofreu influências de Michelangelo quando esteve na Itália, em 1874. Voltou para Paris em 1877 e foi trabalhar numa fábrica de porcelanas.

Em 1880, Rodin foi convidado a apresentar sua arte no novo Museu de Artes Decorativas de Paris. Suas esculturas expressavam uma mistura de erotismo e desespero.

A fama de Rodin estava crescendo. Em 1881, foi convidado a ir para Londres, onde foi muito bem recepcionado e posteriormente voltaria como refugiado em 1914.

Quando voltou para Paris, ganhou acomodações e um estúdio por parte do governo, em 1882. O Hotel Biron também permitiu que Rodin morasse lá até a sua morte, em troca, algumas de suas obras permaneceriam no Hotel, existindo até hoje.

Em 1888, Rodin apresentou sua arte na exposição de Bruxelas. Em 1889, expôs com Monet em Paris. Na exposição internacional de 1900, 168 obras de sua autoria, encontravam-se no pavilhão de Rond-Point, em Paris. Morreu 17 de novembro de 1917 em Meudon.

Deixou inúmeras esculturas inacabadas propositadamente, dando a impressão de que a figura estava saindo da pedra. Seu estudo da escultura antiga o permitiu modelar formas contrastando com o reflexo da luz, produzindo efeitos antes inimagináveis.

PABLO PICASSO (1881 - 1973)

Pablo Ruiz y Picasso nasceu em Málaga, Espanha, em 1881. Iniciou seus estudos de pintura com seu pai, mestre em desenho e em 1895 foi estudar na Escola de Arte de Barcelona. Em 1897 foi para a Academia de Madri e em 1900 conheceu Paris, mudando-se para lá três anos mais tarde.

Entre 1917 e 1924, Picasso desenhou trajes e decorou vários ballets. Se interessou pelo Surrealismo no ano de 1925, mas nunca chegou a se tornar um membro oficial.

Depois da II Grande Guerra, mudou-se para o sul da França. Enquanto morava na Espanha, sua pintura seguiu a tradição acadêmica. Depois de 1900 foi influenciado pela arte de Lautrec e do desenvolvimento artístico que atingiu a Europa. Seus trabalhos refletiram essas influências assim como uma maior consciência social.

Picasso não demonstrava o verdadeiro significado dos seus quadros. Durante 1901 e 1904, em seus trabalhos havia a predominância de tons azuis, o que lhe rendeu o nome de "período azul".

Em 1905, Picasso mudou um pouco o seu estilo, seus traços se tornaram menos grosseiros e menos melancólicos. Seu principal tema se tornou o circo e o azul foi substituído pelo rosa como podemos ver em "Família de Saltimbancos".

Durante o inverno de 1906-07, interessado na Escultura Negra Primitiva, Iberiana e outros estilos, provocaram uma nova mudança. Vemos esta transformação em "Les Demoiselles D'Avignon". Essa nova fase não foi conhecida pelo público até 1927, e mesmo depois de conhecida, não foi compreendida. Picasso começou a simplificar sua forma, conduziu o conceito melhor do que a imagem visual. As figuras forma simplificadas para uma série de planos e ângulos, a representação do espaço se tornou virtualmente desprezada.

Esses foram os estilos e influências que prepararam Picasso para desenvolver o Cubismo. De 1909 até o início da I Grande Guerra, Picasso e Braque trabalharam juntos no desenvolvimento dessa nova pintura.

Nos trabalhos mais recentes, no Cubismo, Picasso foi muito influenciado por Cézzane, ele tomava os objetos naturais como seu ponto de partida, mas analisava e reconstruía em elementos de formas simples que se adequassem melhor a face da figura. As cores forma suavizadas para um tom monocromático, abandonando a ênfase na estrutura.

Nos próximos dois anos, seus arranjos se tornaram complexos e difíceis de compreender, as imagens se tornaram cada vez menores, as relações entre elas e o fundo da tela se tornaram confusas.

Durante a I Guerra, trabalhou sozinho, desenvolvendo o Cubismo, dando mais qualidades decorativas. Usava espaços padrão, cores mais brilhantes e figuras com curvas mais soltas. Da mesma forma que retornou ao estilo mais natural, o quadro "Retrato de Ambroise Vollard", 1915, mostrava sua nova admiração pelo oculto.

Em 1917, foi para Roma e começou a pintar figuras monumentais, calmas, com uma característica clássica. Em "Camponês Dormindo", 1919, ou "Mãe e Filho", 1921, o tema clássico e as figuras do Centauro e Faunos entraram em seu repertório. A partir de então, a figura se tornou o principal tema.

Em meados de 1920, Picasso se aproximou do Surrealismo. As formas apresentavam características metamórficas e emocionalmente distorcidas mais do que razões formais, como em "Os Três Dançarinos", 1928. A pintura de Picasso não mudou muito desde então, sua imaginação fértil não o permitiu repetir muitas idéias. Uma vez comentou, "as várias maneiras que usei em minha arte não devem ser consideradas como uma evolução mas como variações".

Depois de uma série de figuras femininas, em 1932, utilizando curvas sensuais, Picasso parou de pintar temporariamente. Entre 1935 e 1937 trabalhou em projetos gráficos e em poesias Surrealistas. 

VINCENT VAN GOGH (1853 - 1870)

Nasceu em Zundert, Holanda, em 1853. Começou a desenhar desde cedo. Sua vida religiosa, herdada do pai, não durou muito, o que o levou a se dedicar mais a arte.

Em 1880, passou rapidamente pela academia de Bruxelas e voltou para a Holanda, estudando pintura com Anton Mauve.
Van Gogh admirava Jean François Millet e Joseph Israels. Como Millet, pintou a vida dos trabalhadores ao seu redor.

Seu irmão Theo mostrou-lhe obras de Pissarro e Monet, logo se interessou pela teoria das cores de Eugene Delacroix. A partir daí, deixou de usar as cores escuras e passou a utilizar fortes cores em seus próximos trabalhos.

Em 1886, Van Gogh foi para Paris e teve a oportunidade de conhecer os artistas impressionistas. Suas pinturas começaram a mudar e fez amizades com Paul Signac, Gauguin e Emile Bernard. Van Gogh começou a estudar esse novo estilo e acabou desenvolvendo sua própria técnica.

Sofrendo de depressão, começou a beber muito. Em 1888, foi morar sozinho em Provence, sul da França. Nesse período, Van Gogh exercitou muito sua pintura de várias formas.

Gauguin foi ao seu encontro no sul da França. Suas diferenças de idéias os afastaram e perturbado mentalmente que estava, Van Gogh cortou parte de sua orelha esquerda e ofereceu para as prostitutas do bordel local.

Procurando se curar de sua loucura, ele próprio se internou no asilo Saint-Rémy. Internado, Van Gogh produziu muitos quadros, mudando seu estilo.

Em janeiro de 1890, alguns de seus quadros foram expostos em Bruxelas. Em março dez de seus quadros foram para o salão de Paris, recebendo muitos elogios. Em maio ele saio do asilo, foi visitar seu irmão em Paris e ficou sob os olhos do Dr. Gachet. Começou a pintar com determinação pelo interior. Preocupado com seu irmão e com sua própria recuperação, seu problema de depressão retornou. Em 27 de julho de 1890, atirou em si próprio e no dia 29 faleceu.

HENRI MATISSE (1869 - 1954)

Nasceu em Le Cateau-Cambrésis, norte da França. Começou a pintar em 1890, durante o período da convalescência.

Foi para Paris e estudou com Bouguereau na Academia Julian. De 1892 até 1897, foi estudar com Gustave Moreau na escola de Belas Artes. Lá ele conheceu Marquet, Camoin e Rouault. Quando foi trabalhar na Academia Carrière, em 1899, conheceu Derain e Puy, completando então o grupo que futuramente seriam reconhecidos como Fauves.

Sua primeira exposição, em 1904, ocorreu em Ambroise Vollard e não obteve grande sucesso. No ano seguinte, juntamente com o grupo, expôs no salão de Paris, desta vez, o grupo foi reconhecido como Fauves e Matisse como o líder.

Matisse conseguiu reputação internacional, exibindo em Paris e Alemanha.

Em 1908 fundou a Academia Matisse para uma seleção de estudantes cosmopolita e publicou "Notas de um Pintor" onde estavam suas crenças artísticas.

Desde 1904 Matisse trabalhou parte de cada ano no sul em Saint-Tropez e Collioure e mais tarde na Espanha e em Marrocos. Depois de 1916, passou a maioria dos invernos em Nice. Morreu em Cimiez, subúrbio de Nice em 1954.

Apesar de nunca ter se juntado aos Cubistas, sofreu algumas influências deste grupo. Entre 1913 e 1917 sua pintura era um pouco austera, com linhas retas e formas geométricas. Depois seu estilo ficou mais solto, figuras femininas e o interior foram seus principais temas, trabalhados em estilo livre e com cores decorativas.

Sua escultura era uma extensão da sua pintura. Na escultura, sua admiração pela Arte Primitiva estava mais aparente. Em alguns trabalhos ele explora o sólido, aspectos estruturais do corpo com um certo exagero afim de alcançar uma clara expressão da forma.

PAUL GAUGUIN (1848 - 1903)

Nasceu em Paris, em 1848, numa família de classe média. Por causa do golpe de estado de Luís Napoleão, sua família se mudou para a América do Sul. Aos sete anos, depois de viver em Lima, Peru, voltou para a França e foi estudar em Orléans e Paris. Aos 17 anos se alistou na marinha servindo até o ano de 1871.

Gouguin começou a se interessar pela arte, comprando alguns quadros impressionistas. Em 1883, começou a pintar com Pissarro em Osny. Entre 1880 e 1886, expôs seus trabalhos junto com o grupo de impressionistas.

Começou a ser influenciado pelos quadros de Cézanne e pelas pinturas Japonesas, mudando seu estilo. Se juntou a Van Gogh, mas suas diferenças de idéias logo os afastaram.

Ele e Schuffenecker organizaram uma exposição no Café Volpini em Paris, onde impressionaram os artistas do simbolismo.

Interessado na arte oriental, foi morar no Taiti. Ficou encantado com sua arte e estilo de vida. Antes de voltar para Paris, por necessidades tais como dinheiro, pintou "A lua e a terra" expressando a cultura Maori.

Logo voltou ao Taiti e com uma vida conturbada, passando por necessidades físicas e monetárias, tentou o suicídio. Se envolveu em conflitos com os europeus e com as autoridades, foi preso em março de 1903. Em maio, morreu na prisão.

CLAUDE MONET (1840-1926)

Nasceu em Paris, em 14 de fevereiro de 1840. Rapidamente seu talento foi revelado em Le Havre, lugar onde sua família foi morar.

Sua atitude perante a arte foi transformada quando viu a possibilidade de pintar ao ar livre. Sua coleção de pinturas japonesas também o ajudou para isso.

Em 1859 Monet voltou para Paris. Visitou o salão de artes muitas vezes e entrou para o ateliê suíço, onde Courbet havia trabalhado. Monet pôde apreciar muitos quadros de Courbet e Delacroix e se encontrar com os artistas desse período.

Teve que ir para a Argélia por causa do serviço militar. Seu pai o tirou de lá quando ficou seriamente doente. Voltando para Le Havre, sofreu influência de Johan Barthola Jongkind.

Voltou para Paris em 1862 e foi para a Escola de Belas Artes. Monet e seus colegas estudantes, Bazille, Renoir e Sisley formaram um grupo a parte. Em 1863 foram estudar pintura ao ar livre, na floresta de Fontainebleau em Chailly.

Em 1865 Monet passava dificuldades financeiras e Bazille dividiu com ele seu ateliê. Nessa época, seu nome se confundia com o de Edouard Manet, que já era consagrado e se irritou com a comparação. Monet que admirava Manet resolveu se afastar e voltou a pintar em Chailly. Courbet foi Visitá-lo e sugeriu algumas alterações em suas pinturas, depois de algum tempo, arrependeu-se das alterações que havia feito.

Em 1867 novamente enfrentou dificuldades financeiras. Bazille tentando ajudá-lo, comprou "Mulher no Jardim", mas isso não resolveu o problema. Monet se viu obrigado a voltar para Le Havre, nesse meio tempo nasce seu filho, Jean Monet em Paris.

No café Guerbois, em Paris, um lugar de encontro dos artistas, Monet se inspirou em estudar novas experiências. Ele e Renoir começaram a estudar os efeitos da luz na água, sua dedicação era tanta que acabou construiu um barco-estúdio para melhor aproveitamento de suas observações.

Monet foi o grande responsável pela primeira apresentação em grupo dos impressionistas em 1874. O nome impressionismo foi dado ao quadro de Monet "Impressão: nascer do sol". Em 1878 nasce seu segundo filho, Michel e no ano seguinte morre sua esposa, Camille.

Monet expôs com o grupo muitas vezes e trabalhou em vários lugares próximos de Paris. Casou-se novamente com a viúva de um amigo seu, Ernest Hoschedé e foram viver em Giverny, próximo ao rio Epte, em 1883. Morreu no ano de 1926 neste mesmo local.

Em Giverny, a partir de 1890, ele começou a pintar em horas diferentes do dia, de acordo com a mudança da luz.

Monet se dedicou a observar e pintar as diversas intensidade da luz e das cores, seu estilo influenciou até mesmo os artistas do século XX.

MANEIRISMO

O Maneirismo foi um estilo e um movimento artístico europeu de retoma de certas expressões da cultura medieval que, aproximadamente os anos de entre 1515 e 1610, constituíram manifestação contra os valores clássicos prestigiados pelo humanismo renascentista.
Caracterizou-se pela concentração na maneira.

O estilo levou à procura de efeitos bizarros que já apontam para a arte moderna, como o alongamento das figuras humanas e os pontos de vista inusitados.



As primeiras manifestações anticlássicas dentro do espírito clássico renascentista costumam ser chamadas de maneiristas. O termo surge da expressão a maniera de, usada para se referir a artistas que faziam questão de imprimir certas marcas individuais em suas obras.
Paralelamente ao renascimento clássico, desenvolve-se em Roma, do ano de 1520 até por volta de 1610, afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca, extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos.



O certo, porém, é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência ou transição do renascimento ao barroco.

Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. Não só a Igreja, mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Reinam adesolação e a incerteza.




Pintores, arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento, mas agora com um espírito totalmente diferente, criam uma arte de labirintos, espirais e proporções estranhas,que são, sem dúvida, a marca inconfundível do estilo maneirista. Mais adiante, essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias.







ARQUITETURA

A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal, com espaços mais longos do que largos, com a cúpula principal sobre o transepto, deixando de lado as de plano centralizado, típicas do renascimento clássico. Distribuição da luz e na decoração.
Genericamente, a arquitetura do exterior apresenta sobriedade, contrapondo-se a um interior extravagante decorado com azulejos, talha dourada em escultóricos altares, no caso das igrejas, nos palácios por baixelas, faianças porcelanas e mobiliário.





Nas igrejas:

· Guirlandas de frutas e flores, balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo.


Caracóis, conchas e volutas cobrem muros e altares, lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista.



Nos ricos palácios e casas de campo:
· Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento.
· A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo, que, mais do que marcar a transição entre duas épocas, expressa a necessidade de renovação.



PINTURA

É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. São os pintores da
segunda década do século XV que, afastados dos cânones renascentistas, criam esse novo estilo, procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte.

Principais características :
  • Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. O resultado é a formação deplanos paralelos, completamente irreais, e uma atmosfera de tensão permanente.
  • Nos corpos, as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Os músculos fazem agora contorções absolutamente impróprias para os seres humanos.
  • Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes, de um drapeado minucioso e cores brilhantes.
  • A luz se detém sobre objetos e figuras, produzindo sombras inadmissíveis.
  • Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva, mas em algum ponto da arquitetura, onde o olho atento deve, não sem certa dificuldade, encontrá-lo.


Principais artistas:
EL GRECO (1541-1614), fundiu as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Aluno de Tiziano.


As pinturas de El Greco se caracterizam por cores fortes e figuras alongadas.
O claro-escuro encontra-se no preto nas roupas.




Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo, onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II, para os conventos locais e para a nobreza toledana.





TINTORETTO - Era conhecido por sua grande imaginação, por suacomposição assimétrica e por produzir grandes efeitos dramáticos em suas obras.


Para obter os resultados, às vezes, sacrificava até as bases da pintura desenvolvida por seus antecessores.

A Santa Ceia, de Tintoretto. Diferente de Leonardo da Vinci, Tintoretto criou uma composição totalmente desestruturada da Santa Ceia, em que o movimento do nosso olhar segue todas as direções do quadro. A luz na cabeça de Cristo é impossível, e há varios planos em que as pessoas encontram-se, detalhando bem o estilo maneirista.

Outros artistas: PONTORMOe FIORENTINO.


Essa tela de Fiorentino retrata perfeitamente o estilo maneirista: corpo alongado e anatomicamente desproporcional, sem nenhuma composição - figuras humanas em vários planos.




ESCULTURA

Na escultura, o maneirismo segue o caminho traçado por Michelangelo: às formas clássicas soma-se o novo conceito intelectual da arte pela arte e o distanciamento da realidade. Em resumo, repetem-se as características da arquitetura e da pintura.
Não faltam as formas caprichosas, as proporções estranhas, as superposições de planos, ou ainda o exagero nos detalhes, elementos que criam essa atmosfera de tensão tão característica do espírito maneirista.



· A composição típica desse estilo apresenta um grupo de figuras dispostas umas sobre as outras, num equilíbrio aparentemente frágil, as figuras são unidas por contorções extremadas e exagerado alongamento dos músculos.
· O modo de enlaçar as figuras, atribuindo-lhes uma infinidade deposturas impossíveis, permite que elas compartilhem a reduzida base que têm como cenário, isso sempre respeitando a composição geral da peça e a graciosidade de todo o conjunto.




Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI, (1511-1592) eGIAMBOLOGNA, (1529-1608). De origem flamenga, Giambologna deu seus primeiros passos como escultor na oficina do francês Jacques Dubroecq. Poucos anos depois mudou-se para Roma, onde se supõe que teria colaborado com Michelangelo em muitas de suas obras.




Estabeleceu-se finalmente em Florença, na corte dos Medici. Trabalhou com igual maestria a pedra calcária e o mármore e foi grande conhecedor da técnica de despejar os metais, como demonstram suas esculturas de bronze. 






Giambologna está para o maneirismo como Michelangelo está para o renascimento.



As esculturas maneiristas caracterizam-se pelo exagero das formas distorcidas e posições impossíveis de posturas inigualáveis. Quem será que foi o modelo/guerreiro para ter aturado tais posições?

Referências

STRICKLAND, Carol. Arte comentada: da pré-história ao pós-moderno. Trad. Angela Lobo de Andrade. Rio de Janeiro: Ediouro, 2003.
http://www.historiadaarte.com.br/maneirismo.html
http://renascimento.wordpress.com/2007/11/

segunda-feira, 11 de junho de 2012

Releitura das alunas Thamara e Brenda 5°B

Releitura

O projeto releitura dos contos clássicos foi realizado nas turmas do 5°A e B, da Escola Estadual Padre Anchieta pelas professoras Josiane e Regiane, os alunos realizaram a releitura usando o software: coleção ferinha, onde somente aparecem as imagens das histórias, após a conclusão da história, a professora junto com as alunas realizaram algumas correções sem perder a ideia e a criatividade das alunas. Essa releitura Pé Veloz, o menino da floresta, foi realizada pelas alunas Thamara e Brenda do 5° B do período vespertino.

domingo, 10 de junho de 2012

Projeto Releitura dos Clássicos Literários

Fotos dos alunos do 5° ano B, do período vespertino da Escola Estadual Padre Anchieta de Nova Andradina, onde em dupla realizaram a releitura dos clássicos literários usando o site www.colecaoferinha.com.br, com o auxilio das professoras Josiane e Regiane.